miércoles, 14 de septiembre de 2016

FESTIVAL DE PRESENTACIÓN CICLO MORADA SÓNICA 2016-17

Organizado por el colectivo almeriense Morada Sónica, fundado en 2013, dedicado a la organización y difusión de actividades y eventos relacionados con la música y las artes experimentales. El festival contará con la actuación de DAL VERME, STAHLFABRIK, ESTUFA DE LEÑA CONTEMPORÁNEA y AFRIKA PSEUDOBRUITISMUS. Así mismo se presentará material audiovisual de los artistas participantes en el ciclo en esta temporada. En el siguiente trimestre podremos disfrutar de los conciertos de Sajjra (Chris Galarreta Perú ; 28/10 ), Ruido y Tortura (Madrid; 26/11) y Oriol Rosell (Barcelona; 17/12), a celebrar en el CAP Javier Verdejo de Almería. -DAL VERME: granadino, es el perfecto ejemplo de ejecutante electrónico ajeno a las distancias entre el auditorio y el dormitorio. El suyo es un cosmos de obscuridad luminosa, generada a partir de cualquier objeto sonoro imaginable-palpable; además un cosmos enmarcado en una particular mixtura de humores perversos y nubes de no-saberes eléctricos. Presentará su monumental nuevo trabajo para República Ibérica Ruidista “Silence Tempus”. -STAHLFABRIK: Josep María Soler, músico electrónico barcelonés afincado en Almería, activista y divulgador de la música experimental a través de diversos blogs imprescindibles , asi como en el medio radiofónico. Como músico, en activo desde 2006, utilizando sonido electrónico y grabaciones de campo, gestando aleatoriedad, caos e improvisación diseñada con premeditación intantánea. Sonido curvo, da igual de dónde se tome, o dónde se deje. Existe por sí mismo. -ESTUFA DE LEÑA CONTEMPORÁNEA: es un diálogo surgido del encuentro casi fortuito entre el músico granadino A.L. Guillén (miembro de Sefronia, Les Rauchen Verboten y fundador de la netlabel Gruppo Ungido), la artista visual cordobesa Rocío Lara (investigadora en torno a la figura del artista, cineasta e inventor granadino José Val del Omar), y el poeta granadino Rubén Martín (autor de varios y premiados libros de poemas : 'Radiografía del temblor', 'Locos de altar' , en colaboración con Begoña Callejón y Leopoldo María Panero, y 'Sistemas inestables' ). Un triángulo de fuego cruzado entre la música, la imagen y la palabra que hace que confluyan en una vertiginosa y efímera experiencia plurisensorial compacta y apabullante: zambullida unitiva que propulsa al público fuera de yo-día y orden. “La realidad es rígida: bastaría una idea, una pregunta demasiado intensa, para resquebrajarla”. -AFRIKA PSEUDOBRUITISMUS: con bagaje y formación musical clásica, con varias pieles o seudónimos activos en diversos ámbitos música experimental, el trabajo inagotable de Erik Hurtado alcanza un cénit expresivo, por alusiones y por multimedia, en sus cabriolas en directo. Creador inagotable y dadá, hábil en la significación de tropos, memes y lazos hipertextuales, amigo de la deconstrucción, así como de los pliegues de sentido, Afrika Pseudobruitismus desembaraza con destreza intrigas musicales, rutas alternativas, en una suerte de metalenguaje musical que hace de la new age y la electrónica de aventuras su principal magma; y del pasado, presente y futuro su constante erupción y ciclo reverberado. http://moradasonica.blogspot.com.es/

domingo, 11 de septiembre de 2016

PODCAST PROGRAMA MORADA SÓNICA CANDIL RADIO 10 DE SEPTIEMBRE DE 2016 - ESPECIAL "SILENCE TEMPUS" DE CARLOS DAL VERME



La variedad de ruidos es infinita. Si  hoy, que poseemos quizá unas mil máquinas  distintas, podemos diferenciar mil ruidos diversos, mañana, cuando se multipliquen las nuevas máquinas, podremos distinguir diez, veinte o treinta mil ruidos dispares, no para ser simplemente imitados, sino para combinarlos según nuestra fantasía.

Leyendo el manifiesto futurista de Luigi Russolo, El Arte de los ruidos (1913), el artista sonoro granadino Carlos Pueyos, decide tomar por nombre e identidad artística Carlos Dal Verme, en homenaje y referencia al concierto de instrumentos ruidosos, los Intonarumori, realizado el 21 de abril de 1914 en el teatro Dal Verme de Milán, por los futuristas italianos.

Los músicos futuristas deben ampliar y enriquecer cada vez más el campo de los sonidos. Esto responde a una necesidad de nuestra sensibilidad.

Los primeros pasos de Carlos en la escena sonora granadina, arrancan en la década de los pasados 90, participando en distintos proyectos musicales, aún alejados de una estética centrada en el ruido. Cada cassette realizado, llevaba impreso la personalidad del colectivo de amigos interviniente. Agonía: Hacia arriba sin alas (1995); Lunatic Fringe: Between the devil and the deep blue sea (1997); Moon I y II (1998), entre otros, describen los inicios de nuestro artista en Granada. Sobre estos primeros trabajos nos habla:

“Estos proyectos empezaron por pura diversión, y siempre trataba de imprimir cierto aire ruidista de fondo. Cada proyecto, cada cassette, tenía un sonido totalmente distinto, que salía del conjunto de los que estábamos involucrados en ese momento. Empezamos con un 4 pistas, una caja de ritmos, un Casio, una pedalera y una guitarra, y grabamos todo lo que se nos ocurría. Así surgió MI Diablo Va Conmigo, y Agonía. Agonía sí tenía una tendencia mucho más ruidista, con sonidos de cerdos en una matanza, golpes, guitarras acopladas, gritos… “

Estruendos Truenos Explosiones Borboteos Baques Bramidos

Mientras su camino creativo estaba en confluencia con otros de la escena granadina, nace en Carlos la idea de iniciar un camino en solitario, emprender su propia trayectoria en la escena ruidista española.

1998 fue el año de la gestación del primer disco, 21041914, tomando como referencia e influencia “a Val del Omar, el Bosco, Boullé, John Cage, artistas y fotógrafos surrealistas y dadaístas,  y sobre todo, a Luigi Russolo  y su arte de los ruidos”. Aquello que nació y fue distribuido inicialmente entre amigos, fue remasterizado y editado dieciséis años más tarde, conmemorando el centenario del concierto futurista, en el ya nombrado teatro milanés. Diecisiete piezas conforman este trabajo, con títulos tan sugerentes como Fantasmes Du Rêve, Páramo del Espanto, Through a Screen Darkly, El Simulacro de la Hospitalidad, El Devorador de Locos, etc. Ya en ellas se perciben las características de los trabajos más postreros de Dal Verme: ideas obsesivas en continuo flujo, búsqueda de un color propio para cada pieza, gruesas masas de sonido, el movimiento sonoro dentro de un continuo ruidoso y expresivo.


Silbidos Pitidos Bufidos

“No tengo una formación de conservatorio. Siempre he pensado que los conservatorios no son lugares para creadores, pues intentan encerrar las ideas en unos límites académicos. He estado siempre en contra de los límites externos en la expresión artística, ni creo que sean necesarios unos estudios concienzudos para plasmar o expresar cualquier tipo de arte, sea música, pintura, escultura… El mismo concierto que Luigi Russolo dio en el teatro Dal Verme, fue un ataque frontal contra el academicismo, que acabó en peleas entre academicistas y futuristas. Evidentemente, acabaron ganando los futuristas.

Russolo, en su manifiesto El arte de los ruidos, hablaba ya del encorsetamiento de unos sonidos sacados de unos instrumentos. Incluso, desde mi punto de vista, ya quería romper, no sólo con una manera de hacer música, sino que, además, con el encorsetamiento de una manera de hacer y anotar música. Fue precursor, entre otras cosas, de la utilización de un sonido sintetizado, de la manipulación del sonido, la atonalidad y la microtonalidad”.

Susurros Murmullos Refunfuños Rumores Gorgoteos

Para Dal Verme, cada disco, cada directo conlleva un proceso propio y personal, un camino único e irrepetible, donde todo surge de una idea, un concepto para el cual escudriña las herramientas a utilizar, para de esta forma alcanzar la meta idealmente concebida:

“Hay discos que he desarrollado utilizando sintetizadores software, otros hardware (analógicos o digitales), mezclándolos utilizando muestras muy procesadas, o incluso guitarras. Cada disco ha surgido de una idea, y cada directo de un esquema instrumental distinto, para crear a partir de improvisaciones con el material elegido”

La primera fecha de publicación de Dal Verme la tenemos en 2012, con la salida del disco Desierto, (OU3#mu2) Gruppo Ungido, aunque el disco fue producido seis años antes en su estudio granadino. Para comprender su título, debemos retrotraernos a su misma génesis: el ideario de una improvisación conjunta en el desierto de Tabernas con el gran guitarrista y artista sonoro almeriense, A. L. Guillén. Finalmente, ese proyecto inicial no pudo llevarse a cabo, pero fue el detonante de una serie de trabajos preparatorios inspirados en el desierto almeriense, para desde ahí partir con unas improvisaciones que dieron lugar al disco. Una gran masa sonora, plena de sonidos arenosos, broncos y en constante reencuentro sobre sí mismos, recorre las nueve piezas que conforman el disco. Cada pieza es un avance más, un nuevo desarrollo sobre sí misma, en su lenta metamorfosis hacia miles de formas. Durante más de una hora, el oyente sólo puede asistir a ese proceso sónico que, como un trance, lo absorbe y atrapa.


Estridencias Chirridos Crujidos zumbidos crepitaciones fricaciones


Un libro regalado por un familiar médico sobre bacterias y antibióticos, una Guía Bacteriológica Ilustrada, se convierte en el punto de partida, el íncipit imaginativo para su siguiente disco, de igual título, editado por Gruppo Ungido en 2013. Cuarenta miniaturas sonoras conforman el conjunto, cada una representa una bacteria, “con todo lo bueno y malo de cada una”: Coxiella burnetii, Elikenella corrodens, Fusobacterium necrophorum, Streptococcus Pnemoniae, etc. Cada pieza, una masa sonora propia, compacta e indivisible. Un cuerpo sónico que se propaga linealmente en el espacio-tiempo: pequeños drones que inundan nuestra escucha, y que “como cada bacteria, desde lo microscópico, se vuelve macroscópico e infecta todo aquello que toca”.

Carlos del Verme ha participado en discos recopilatorios como: Saco de Hostias (grupo Ungido, 2013), Misterios (Gruppo Ungido, 2014), La Mordaza (República Ibérica Ruidistanetlabel, 2015), El Doble (Contubernio Records, 2015), Spanish Experimental Underground 015 survey (UnexplainedSounds, 2015), One Minute Symphony– Apología de los Insectos (Endogamic, 2016), entre otros.

La trayectoria creativa de Carlos Dal Verme se complementa con la creación de bandas sonoras para Vida oculta, Dulce Pueyos (1997), y El lector de epitafios, de Mariano Rodríguez and others (2008).

Ruidos obtenidos a percusión sobre metales, maderas, pieles, piedras, terracotas, etc.

Las huellas producidas por los futuristas italianos y rusos, comenzando el camino del arte sonoro, son aún perceptibles en nuestros días. Su acercamiento radical, en el buen sentido de esta palabra (¿hay quizás algún otro?), ante el hecho sonoro; su postura revolucionaria ante ese fenómeno natural y sintético, denominado ruido; su choque frontal ante ese gran dinosaurio: la academia; otorgan a los músicos futuristas una posición privilegiada en el devenir del siglo XX. Sobre esa huella, esa erosión en la historia, Carlos Dal Verme nos habla:

“La música, vista desde una vertiente, digamos clásica, con instrumentos, notas, escalas, armonías… estuvo muchos siglos creándose, recreándose, reinventándose. Aún  tiene mucho que decir y que explorar. El mundo de los ruidos y los silencios, mucho más extenso, pues incluye también toda la sonoridad de la música creada con instrumentos “normales”. Y sólo está empezando a balbucear. Todavía queda mucho que descubrir y redescubrir. Nuevas vías de expresión sonora que pueden partir o confluir, alejarse o acercarse, con el ruidismo italiano futurista.

Y el ruido/silencio puede ser tan expresivo que puede transmitir las mismas sensaciones, o incluso más, que la música tal y como se concebía hasta el siglo XIX.

Creo que abrieron un campo enorme del que partir en una nueva forma de ver la música, el sonido, ir más allá y no quedarse estancado.

Evidentemente, el ruidismo italiano sólo fue una fuente de la que empezó a brotar, y hay muchísimas más fuentes de las que ir tomando nota para utilizar, retorcer, manipular… Y lo que haga falta.”


Voces de animales y de hombres: Gritos chillidos, gemidos, alaridos, aullidos, risotadas, estertores.

SOBRE SILENCE TEMPUS: 


Silence is not acoustic. It is a change of mind, a turning around.
John Cage

Es tiempo de silencio.
En silencio. Callar.
Silencio voluntario
O silencio obligado.
Cada silencio produce un ruido.
Y dentro
Ruge,
Emerge de las profundidades, del ser.
Ruido, ruido y más ruido.
Ruidos de sentimientos.
Ruidos de confluencias.
Ruidos de desavenencias.
Ruidos de satisfacción.
Y mortifica,
Y angustia.
O  calma,
Y sosiega.

En cada silencio,
Un estado,
Un ruido.

Nuevo doble cd de Dal Verme. Silence Tempus.

Introspección del silencio. Silencio que cambia la mente, que genera un ruido interior. 
Silence Tempus es una reinterpretación de esos ruidos interiores. 

Será Editado en septiembre de 2016, en edición limitada y numerada a 50 copias, por el netlabel REPÚBLICA IBÉRICA RUIDISTA 


domingo, 12 de junio de 2016

PODCAST PROGRAMA MORADA SÓNICA CANDIL RADIO 11 DE JUNIO DE 2016 - ESPECIAL "ELECTRONIC MUSIC LP 1967"


Volvemos a nuestras clases de arqueología musical. Hoy os presento una compilación fechada en 1967, editada por el excelso sello TURNABOUT y protagonizada por tres gigantes del medio musical electrónico, cada uno de los cuales aporta una pieza. Vamos a repasarolos uno a uno:

İlhan Mimaroğlu:

Fue un músico y compositor de música electrónica de nacionalidad turca, nacido en Estambul en 1926 y fallecido en 2012. Durante la década de 1960 estudió en el Centro Electrónico de Columbia-Princeton bajo Vladimir Ussachevsky y en ocasiones trabajó con Edgard Varèse y Stefan Wolpe. Entre sus estudiantes notables incluyen a Ingram Marshall.

Trabajó como productor de Atlantic Records, donde creó su propio sello discográfico, Finnadar Records, en 1971. En el mismo año colabora con el trompetista Freddie Hubbard en una declaración contra la guerra con la canción "Cántame una canción de Songmy" . También fue el productor de Charles Mingus en "Changes One" y "Changes Two" y decir también que colaboró en la banda sonora de la película de Federico Fellini "Satyricon".

Se le concedió la Beca Guggenheim en composición musical en el año 1971.


John Cage:

John Milton Cage Jr. (Los Ángeles, 5 de septiembre de 1912 - Nueva York, 12 de agosto de 1992) fue un compositor, instrumentista, filósofo, teórico musical, poeta, artista, pintor, aficionado a la micología y recolector de setas estadounidense. Pionero de la música aleatoria, de la música electrónica y del uso no estándar de instrumentos musicales, Cage fue una de las figuras principales del avant garde de posguerra. Los críticos le han aplaudido como uno de los compositores estadounidenses más influyentes del siglo XX. Fue decisivo en el desarrollo de la danza moderna, principalmente a través de su asociación con el coreógrafo Merce Cunningham, quien fue su compañero sentimental la mayor parte de su vida.

Entre sus maestros estuvieron Henry Cowell (1933) y Arnold Schoenberg (1933–35), ambos conocidos por sus innovaciones radicales en la música, pero la principal influencia sobre el trabajo de Cage se encuentra en diferentes culturas orientales. A través de sus estudios de filosofía india y budismo zen a finales de los años 1940, Cage llegó a la idea de la música aleatoria o música controlada por azar, que comenzó a componer en 1951. El I Ching, un antiguo texto chino clásico sobre eventos cambiantes, se convirtió en la herramienta compositiva habitual de Cage durante el resto de su vida.

Cage es conocido principalmente por su composición de 4′33″, tres movimientos que se interpretan sin tocar una sola nota. Otra famosa creación de Cage es el piano preparado, para el que escribió numerosas obras relacionadas con la danza y varias piezas para concierto.


Luciano Berio:

(Oneglia, 1925 - Roma, 2003), fue un compositor italiano, uno de los más notables exponentes de la vanguardia musical internacional. Realizó sus estudios con G.F. Ghedini y con L. Dallapicolla. En 1955 fundó, con Bruno Maderna, el Estudio de Fonología de la RAI en Milán. Sus obras, marcadas por una constante preocupación por la materia sonora, se caracterizan por su adhesión al serialismo y a los procedimientos experimentales de los años cincuenta. Algunas composiciones a destacar son Variaciones (1954), Homenaje a Joyce (1958), Visage (1961), Concierto para dos pianos (1973) y La verdadera historia (1982). En los años noventa alternó su labor creativa con la dirección, visitando España con la Orquesta Sinfónica de la Radio de Frankfurt. En 1998 apareció la recopilación de su obra Sequenze.

Nacido en el seno de una familia de compositores, recibió de su padre las primeras nociones musicales, que completó en el Conservatorio de Milán. Después del Magnificat para dos sopranos, coro y conjunto instrumental (1949), obra cercana al neoclasicismo de Stravinski, compuso música ligera de vanguardia en la que aplicó los métodos seriales de Luigi Dallapiccola, y cuyo humorismo estaría presente en la mayoría de sus obras posteriores.

En 1954 fundó, junto con Bruno Maderna, el Estudio de Fonología de la RAI de Milán, fruto de sus investigaciones en el campo de la música electrónica, que se convirtió en uno de los centros más importantes de la música de vanguardia. Marcó un hito importante en su producción electroacústica la obra Homenaje a Joyce (1958). Las piezas que compuso durante esta década se caracterizan por basarse en una escritura simple y espontánea que otorga un papel preponderante a los aspectos lingüísticos. Tras un período de residencia en Estados Unidos (1965-1972), dirigió el departamento de electroacústica del IRCAM de París (1973-1980), y a su regreso a Italia se encargó de la delegación milanesa de dicho organismo. Estuvo casado con la cantante Cathy Berberian, su colaboradora en obras como Folk Songs.

Inscrito en las corrientes vanguardistas más avanzadas de la posguerra, la obra de Luciano Berio sorprende por su absoluta novedad. Interesado por las posibilidades de los medios electroacústicos, durante su etapa en el Estudio de Fonología Musical de la RAI llevó a cabo una interesante labor experimental, aplicada posteriormente en algunas de sus composiciones. En su producción música y voz juegan un papel de reciprocidad cuidadosamente estudiado, en el que el significado lingüístico y el musical alcanzan un perfecto equilibrio.

Algunas de sus obras de mayor interés son Variaciones para orquesta de cámara (1953), Nones (1954), Allelujah per orchestra (1956), Circles (1960) y Laborintus II para voz, instrumentos y banda magnética (1965). Uno de los rasgos más llamativos de su estilo es su hábil y original uso del collage, evidente en partituras como Sinfonía para ocho voces y orquesta (1968), en la que se dan cita los más diversos elementos literarios y musicales. De su composición para la escena cabe destacar la ópera La verdadera historia (1982). En su producción posterior, Luciano Berio demostró cierta tendencia a dar un mayor protagonismo a la orquesta sinfónica tradicional.


Pues nada, a disfrutar...

PODCAST PROGRAMA MORADA SÓNICA CANDIL RADIO 4 DE JUNIO DE 2016 - ESPECIAL AVELINO SAAVEDRA


AVELINO SAAVEDRA
Santiago de Compostela - 1967
Artista plástico, músico, performer.
Licenciado en Bellas Artes por la facultad de S. Carlos - Valencia.


Mi posición ante el arte en general es más de actitud que puramente formal o estética.

Compagino la pintura y el arte de acción con diversos proyectos en música, en los que hago referencias a múltiples lenguajes, como el de la música concreta, la improvisación libre, el free jazz, el noise, etc...

Trabajo con los sonidos producidos por objetos, juguetes electrónicos manipulados e instrumentos de percusión, de la misma manera que lo hago con los colores, gestos y soportes en el momento de pintar. La mayoria de las veces desconozco cual va a ser el resultado final y eso es lo que mantiene vivo mi interés..unos sonidos, unos colores, unas formas, conducen a otras y poco a poco la pieza va tomando apariencia y, al no actuar de forma excesivamente planificada, el éxito o el fracaso de la misma dependerá del mayor o menor acierto con que tome las decisiones según voy recibiendo los estímulos. Para ir construyendo en directo, empleo procesadores de efectos y sampleo en tiempo real los sonidos que van surgiendo al manipular golpeando, frotando, rasgando,soplando objetos tales como papeles, metales, teteras, tubos de plastico, gongs,etc... De esta forma lo que entran en juego son timbres, texturas, intervalos de sonido-silencio y dinámicas, que encuentran su contrapunto en otras situaciones o pasajes más melódicos que evocan diversos ambientes.
En el 2005 entro en contacto con el colectivo de música improvisada de Barcelona (IBA) y de este encuentro surgen MUT (Quinteto eléctrico ruidista,con Alfredo Costa Monteiro, Ferrán Fages, Pablo Rega y Arthur Fernández) y la orquesta de improvisación conducida por Pablo Rega, con Ruth Barberán en la trompeta y objetos.

Ocasionalmente trabajo con el performer y poeta sonoro Bartolomé Ferrando en el campo de la poesía sonora y música improvisada.


"335 pellizcos sonoros por debajo de las íes con raspaduras de a", es una pieza musical que une los sonidos del instrumento y del objeto con los de la voz, a partir de un ejercicio de doble improvisación. Cada sujeto escucha las sonoridades del otro y se abre un camino en el territorio expuesto por el primero, multiplicando así las líneas del recorrido. Las palabras se han desecho en trozos y aparecen como burbujas en un mar de ruidos y sonidos. Entre ellos, algunos nos serán conocidos; otros, permanecerán herméticos a nuestra memoria sonora. El concierto, que tiene sus raíces en lo visceral e intuitivo,no deja de tener algunos componentes racionales en su organización interna. Entre la música y la poesía sonora, gongs,instrumentos de plástico y trozos de papel se mezclan con balbuceos,glissandos, repeticiones, murmullos y repeticiones de la voz. Gritos metálicos. Ruidos de letra.Una voz que habla hacia atrás,intenta captar el primitivismo originario del habla,que se enreda con sonidos y ruidos articulados, no sometidos a ningún orden rígido. Poesía enmarañada de música.Sonoridades tejidas de voz y de gestos. Las palabras ya no hablan; sólo gimen, se deslizan, estallan o desaparecen entre trazos sonoros y esferas de ruido, en la música improvisada de Avelino Saavedra y Bartolomé Ferrando."

(Bartolomé Ferrando Colom).


Actualmente toco a dúo, como baterista, con el saxofonista, improvisador y escritor, Josep Luís Galiana, en el terreno de la improvisación libre electroacústica y el free jazz, habiendo grabado los CD´s físicos "Transitions" (editado por Luscinia Discos) y "Umbría St" (editado por Cilestis)


Asimismo he publicado los discos en solitario "Ink Soundsketches" y "MUD", en el sello Audiotalaia.


PODCAST PROGRAMA MORADA SÓNICA CANDIL RADIO 21 DE MAYO DE 2016 - ESPECIAL JORGE HARO


Jorge Haro (Argentina / España)
artista sonoro y visual.
Nacido el 20 de diciembre de 1963 en San Fernando, provincia de Buenos Aires, Argentina.
Vive y trabaja en Buenos Aires, Argentina y en Madrid, España.
Se ve en la estética y los aspectos científicos de sonido y vibración con un interés particular en la escucha ampliado, visualización de sonido, las relaciones audiovisuales y los procesos de transformación de datos.
Su obra toma diferentes formatos: CD, vídeo, objetos, conciertos audiovisuales, instalaciones y exposiciones, cada una de las cuales se complementan entre sí en cada proyecto.
Sus lanzamientos de la música han sido publicados por las etiquetas de los diferentes países y han sido ampliamente reconocido por la crítica de la Argentina, España, EE.UU., Francia e Italia.
Se ha llevado a cabo conciertos audiovisuales, instalaciones y exposiciones en las Américas, Europa, con actuación destacada en BA Robot, (Argentina, 2015); La Internacional de la Imagen Festival (Colombia, 2014); Festival Tsonami (Chile, 2013); Sónica Situación: la deriva aural al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (España, 2012); Teatro Solís (Uruguay, 2011); Skolska 28 (República Checa, 2011); LEV Festival (España, 2010); Là-Bas Bienal (Finlandia, 2010); Festival Radar (México, 2010); Festival poco sólido (Polonia, 2008); Experimentaclub (España, 2007); Shift Festival (Suiza, 2007); Festival 5hype (Brasil, 2006); Champ Libre Bienal (Canadá, 2004); Festival Observatori (España, 2003); LEM (España, 2003); 5ª Bienal de Video y Nuevos Medios de Santiago (Chile, 2001); Sónar (España, 2000); Internationale Filmmusik Bienal (Alemania, 1999), entre otros.
Compuso algunas piezas que colaboran con Francisco López / Conjunto de ruido absoluto, Zbigniew Karkowski, Mitchell Akiyama, Sergi Jordà, 1605munro y Bruno Sanfilippo entre otros. Estos fueron puestos en libertad por las etiquetas forman EE.UU., Polonia, Alemania y España.
Él es un miembro del personal en el Pabellón 4 Arte Contemporáneo, Buenos Aires, Argentina.
Ha colaborado con directores de cine, artistas de vídeo, artistas de la red, las artes escénicas y directores de baile como Claudio Caldini, Carlos Trilnick, Diego M. Lascano, Gustavo Romano, Brian Mackern, Manuel Hermelo, Rubén Szuchmacher y Fabiana Capriotti, entre otros.
Él es uno de los comisarios del ciclo de conciertos y presentaciones audiovisuales Escuchar [Sonidos Visuales] en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (2012 hasta la actualidad). Ha sido comisario del ciclo Escuchar y Mirar en el Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (CMMAS) (2015) y de LIMb0, en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (2002-2011).
Ha dictado conferencias y cursos sobre determinado sonido, música por ordenador, diseño y performance audiovisual en la Universidad de Pompeu Fabra (Barcelona, ??España); de la Universidad Complutense (Madrid, España); en la Universidad de Roskilde (Roskilde, Dinamarca); en el Conservatorio de Música Aarhaus (Aarhaus, Dinamarca); en la Universidad de Caldas (Manizales, Colombia); en la Universidad de los Andes (Bogotá, Colombia) y en el Instituto Goethe de Buenos Aires, entre otras instituciones.


domingo, 15 de mayo de 2016

PODCAST PROGRAMA MORADA SÓNICA CANDIL RADIO 14 DE MAYO DE 2016 - ESPECIAL A. L. GUILLÉN



Programa monográfico dedicado al artista sonoro Antonio Luís Guillén y a sus dos últimos trabajos "La Noche" y "Solaz". Aquí os dejo los textos que ha escrito Guillén sobre cada uno de sus trabajos:

SOBRE "LA NOCHE":

"Este trabajo narra la noche de tránsito de un familiar muy querido por mí en una habitación hospitalaria.
Sin intención dramática o compasiva, he creado “La Noche” para amplificar  nuestra separación y nuestra aniquilación unitiva, como un canto susurrado en el oído del que se queda, y al oído del que se va. Un canto a todo lo que experimentamos perder, y todo lo que sabemos que queda para siempre cuando el cuerpo del amado ya no está.
Este canto debería ser escuchado mediante cascos en la oscuridad nocturna absoluta, para obedecer al Sonido tras tu resistencia inicial. Pretende actuar como el clavo que perfora el velo del duelo mostrando la plenitud del no-lugar, de lo perdido.
No estás obligado a seguir la narrativa propuesta, pero …:
Las dos siamesas primeras piezas contraponen subjetividades sonoras extremas y separadas. La mía: asepsia del silencio de la madrugada hospitalaria en una habitación, que es también la inminencia de “final”. La suya: el sonido de la implacable  progresión de la invasión séptica disolvente.
Esta excisión nos religa mediante un gesto: Beso en nuestra Placenta Original. Cuando el tránsito está consumado, se abre la ventana del siguiente día, con el aire fresco del amanecer de la Ribera del Genil. Con cierta nostalgia melódica del vuelo de almas al cielo de un pretérito tiempo aeropagita. Hacía la luz del día siguiente,  del que queda en Tierra: única materia.

“La Noche” se grabó y mezcló en La Antena Noética (Almería) en varias noches de otoño de 2015, usando un eterófono y un ordenador. Se masterizó por Dal Verme.
Esta noche mía está dedicada a María Josefa Megías Cuadros, y a los que quieran recibir este canto susurrado cuando caiga el sol. 
Que caerá.

Antonio Luis Guillén Megías, 
diciembre 2015

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SOBRE "SOLAZ":

"Solaz: Tres Poemas Sonoros del Éxtasis del Sur", es el primer trabajo en solitario del A.l. Guillén para Gruppo Ungido. Recopila tres piezas que proponen múltiples visiones de Andalucía como límite y Unión amorosa sonora entre Oriente y Occidente. Se nutre con humildad del texto sufí , y su milenaria presencia en Almería, como motor de esta Unión( y Vía). Trata de cantar el saboreo del Amado, la explosión más allá de los sentidos. Repite y respira, hasta derramarse en toda dirección: jardín sonoro de la cuenca mediterránea, cuando la vibración de sus tradiciones musicales se transfigura más allá y acá, siendo amante y Amado Uno." Solaz" bebe del momento extásico, momento que Guillén encara de manera precavida , explorando sumiso la complejidad, el peligro y la riqueza que ofrece: extrañado y atraído en un sólo movimiento de terror y gozo. Éxtasis sobrio y sin carismas, escondido de la superficialidad espectacular y "sobrenatural" con la que el capitalismo unívocamente lo nombra. Éxtasis cotidianizado en nuestros pasos desérticos. "Solaz" es el primero de una serie de trabajos en los que Guillén explorará las relaciones de esta tradición espiritual con Andalucía , desde muy distintas perspectivas musicales. 
"Tayrid" y "Ahiduz" surgieron impulsados por la participación en recopilatorios de los sellos República Ibérica Ruidista ("Limo", 2014) y Endogamic -Gruppo Ungido. 
“Imán o Lupa: Abrazo en el Vector del Agua” se creó como preludio sonoro de la proyección en Granada de “Aguaespejo Granadino” en el 111 cumpleaños de José Val del Omar en octubre de 2015, por invitación de Ángel Arias a A.L. Guillén. Don José Val del Omar se aprojimaba a los granadinos en el límite cognitivo oriente-occidente de esta tierra con una lupa en una mano y un imán en la otra: magnetizaba con los puños, zahorí de nuestra mezcla de sangres: los mismos puños que hoy llenan de semillas sonoras concretas el aire de alhucema, en el puño-polo de la lupa occidental y en el del puño-polo del imán oriental ...una nube magnética que encuentra vector unitivo en el que religar contrarios en el Agua, agua-alianza registrada en sierra Mágina, Abrucena, o la Gomera, con granulaciones de improvisación sobre un piano, así mismo; recuerdo amniótico donde ser Uno con el sonido-océano, y propulsarnos más allá de razón y corazón: hacia la nube del no-saber eléctrico. 
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miércoles, 4 de mayo de 2016

TALLER-CONCIERTO DE JORGE HARO EN LA MORADA SÓNICA

Jorge Haro error 144-reboot? Programación Modular y Creación Audiovisual Curso-taller Carga horaria: 4 horas. 20 euros (25 con entrada a concierto ) TALLER (VIERNES 27 MAYO, 18H CAP JAVIER VERDEJO ALMERÍA) CONCIERTO (SÁBADO 28 MAYO, 21H, CAP JAVIER VERDEJO ALMERÍA DESCRIPCION: Sonido e imagen producen dimensiones perceptivas que en simultaneidad y sincronismo se funden, en forma indisoluble, constituyendo nuevas unidades estéticas y de sentido. Las tecnología digital nos permite llevar ésta integración al extremo, hasta los límites de la percepción humana. error 144-reboot? está orientado a la creación audiovisual en tiempo real y diferido, a partir de la integración de conceptos de composición y el análisis de técnicas y dispositivos, desde una perspectiva histórica y personal. OBJETIVOS1: 1. Estudiar de las relaciones formales y constructivas entre sonido e imagen 2. El análisis de sistemas modulares electro-acústicos y audiovisuales para la composición en tiempo real y diferido. 3. Integrar piezas de hardware y software para la producción audiovisual 4. Introducir a la programación orientada a objetos 5. Diseñar estaciones de trabajo para estudio y presentaciones en directo DESTINATARIOS: Artistas sonoros, visuales y audiovisuales, músicos, desarrolladores, docentes, gestores, productores, público en general interesado en la relación arte-tecnología. info@jorgeharo.com.ar http://www.jorgeharo.com.ar/

martes, 1 de marzo de 2016

LAS FLORES NO LLORAN+NARCOLÉPTICA: MORADA SÓNICA ESTE SÁBADO

LAS FLORES NO LLORAN+NARCOLÉPTICA SÁBADO 5 DE MARZO CAP JAVIER VERDEJO. Calle Granada 190. Almería 21.30h 6 euros (5 euros socios de La Oficina) LAS FLORES NO LLORAN BIOGRAFÍA Armónicos Luz · Criaturas Polvo es el segundo larga duración de la artista malagueña Paloma Peñarrubia con su proyecto Las Flores No Lloran. Este nuevo LP Armónicos Luz · Criaturas Polvo demuestra que Las Flores No Lloran son una anomalía dentro del panorama musical de nuestro país. Una nueva apuesta para el Pop electrónico Español; más electrónico, incluso progresivo y por una sóla mujer en escena. Rodeada de controladores Midi, Loopers, guitarras, teclados y objetos sonoros varios, Paloma, va creando a tiempo real todo un entramado melódico y rítmico prácticamente de la nada. Puedes sentir la respiración de los instrumentos en dispersas notas de piano, disfrutar de brillantes arpegios de guitarra arropando la intimidad que desprende su voz o quedarte absorto en esos delicados y casi palpables arreglos que sumergen al oyente en una atención inmóvil dibujada por percusiones juguetonas y burbujeantes sintes. Un perfecto equilibrio entre lo analógico y digital con una voz limpia y arriesgada. https://vimeo.com/121551955 NARCOLÉPTICA: El directo de Narcoleptica parte de la experimentación, la mezcla de orígenes sonoros (guitarra eléctrica, teclado, programaciones, grabaciones de campo y voz) y Live-Looping (grabación y reproducción de bucles sonoros en tiempo real). Todos estos elementos se unifican en una experiencia de estratificación sónica. Sobre unas estructuras predefinidas que sustentan cada pieza, Narcoleptica se permite ciertas derivas en las que la improvisación define cada actuación como distinta y única. Narcoleptica es un proyecto de música experimental electroacústica ( = Beatriz Vaca haciendo ruido). Ha editado dos álbumes: ‘The Modular Explanation’ y ‘Narcoleptica’; y se encuentra trabajando el próximo, ‘The Abyss’. Aparece en numerosos recopilatorios, álbumes colaborativos, bandas sonoras y piezas escénicas de Performance y Teatro Experimental, en las cuales suele actuar en vivo. Desde 2007, ha realizado conciertos incesantemente en más de un centenar de salas y festivales en Europa y Latinoamérica, siendo la actuación en directo su máxima expresión. Narcoleptica crea espacios sonoros que habitar, donde quien escucha puede elegir qué punto de fuga seguir dentro de una atmósfera realmente intensa, evocadora y emocional. https://narcoleptica.bandcamp.com/ https://www.facebook.com/narcolepticamusic https://www.youtube.com/watch?v=1WXoXiwIyvE

miércoles, 9 de diciembre de 2015

ORQUESTA DE IMPROVISACIÓN DE MÁLAGA ESTE SÁBADO EN LA MORADA SÓNICA

La Orquesta de Improvisación de Málaga se forma en Septiembre de 2013 y desde entonces ha estado ensayando regularmente en el Conservatorio Superior de Música de esta ciudad. Formada por estudiantes del Conservatorio y otros músicos y bailarines residentes en Málaga, integra la danza como un elemento más y se proyecta como un colectivo artístico abierto a colaboraciones con artistas de otras disciplinas así como con compositores, artistas sonoros o coreógrafos que deseen realizar piezas para ser interpretadas por la orquesta, siempre manteniendo la improvisación como elemento principal del proceso. 18h:"TALLER DE CONDUCCIÓN E IMPROVISACIÓN DIRIGIDA" El límite entre composición e improvisación en la música formal se ha ido diluyendo desde comienzos del Siglo XX y las estrategias creativas se han multiplicado en busca de nuevas formas de combinar estos elementos. Sistemas , partituras gráficas, aleatoriedad, o simbologías alternativas son algunas de las herramientas que se han ido usando para la creación musical. La conducción se basa en la dirección orquestal al uso, aunque utiliza signos mucho más concretos para suplir la ausencia de partitura, dejando al músico un amplio espacio de interpretación de la seña dada y dando prioridad a la creación grupal en tiempo real. La conducción es una metodología flexible y abierta a cambios y adiciones que está diseñada para coordinar formaciones grandes de improvisadores. Así surgió en los años 80 de la mano de Butch Morris y desde entonces ha sido usada por numerosísimos músicos y compositores, tantos como maneras de conducción hay. Cada vez más demandada como elemento pedagógico muy importante en estudios musicales tanto superiores como elementales, la improvisación conducida se encuentra en programas de conservatorios y escuelas de Europa y EEUU y comienza a utilizarse en conservatorios y escuelas de música de España. Durante este taller aprenderemos de forma activa algunas de las señas más comunes y trabajaremos diferentes estrategias de creación espontánea para formaciones grandes. Con una idea clara de sembrar el germen de una agrupación estable, este taller está dirigido a músicos profesionales y aficionados interesados en la improvisación y la experimentación. A partir de este taller, aquellos que lo deseen podrán integrarse en una formación estable que trabajará la improvisación, la conducción y otras formas de trabajar en grupo de manera regular. Imparte: Javier Carmona. 18h 10 euros. 21.30h: CONCIERTO DE LA OIM. https://orquestaimprovisacionmalaga.wordpress.com/ https://youtu.be/3azAHauWKtI

martes, 24 de noviembre de 2015

MALAVENTURA MULTIMEDIA ARTIST ESTE SÁBADO EN LA MORADA SÓNICA

...Crear un bucle físico, escuchar el bucle, muestras de extracto de ese bucle, el bucle ... con la ayuda de una vieja cinta grabada, un cut-up gigante de cinta cerrada en un bucle y un ordenador portátil con Ableton... Inside the Loop" es una performance sonora pero también puede servir como una clase practica de como hacer un loop analógico de cinta gigante o un ejemplo presencial de la técnica del cut-up de Gysin/Burroughs, puedes verlo como una instalación sonora que contrapone la pesada maquinaria analógica y lineal con raices en Anticitera con la liviana techne digital y no lineal impulsada por Turing, O ver en la destrucción y recomposición del material sonoro producido por el loop de cinta una metafora de la muerte de Orfeo despedazado por las Bacantes... O quizá solo veas a un tipo en el centro de una estructura, creada con cintas magnetofónicas, pies de micros y un magnetofón de los años 70, haciendo ruido. A PARTIR DE LAS 21H, SÁBADO 28 DE NOVIEMBRE, LA OFICINA PRODUCCIONES (ALMERÍA). https://vimeo.com/35795044 http://malaventura.net/website/now/

viernes, 23 de octubre de 2015

DAL VERME CON STAHLFABRIK INAUGURAN LA TERCERA TEMPORADA DE LA MORADA SÓNICA MAÑANA

DAL VERME con STAHLFABRIK en la MORADA SÓNICA SÁBADO 24 DE OCTUBRE 22 H LA OFICINA (ALMERÍA) Comienza la tercera temporada del Ciclo Morada Sónica, organizado por el Colectivo Morada Sónica de Almería y dedicado a la creación, difusión y confusión de las Músicas Otras y Experi_mentales. DAL VERME: Ruido. Cada ruido tiene su propia sensación. Nuevas sensaciones. Combinaciones de sensaciones, buenas o malas, extrañas o reconocibles, distintas o parecidas. Vivimos rodeados de ruido, entre silencio y silencio. Entre ruidos. Los que escuchamos, los que ignoramos, los que están ahí. Los que se pueden manipular, utilizar. Capturar el sonido y procesarlo... .. Silencio. John Cage. "La música que prefiero, incluso más que la mía, es la que escuchamos cuando estamos en silencio". .. .. Vacío. Ciegos y sordos. O dejar de serlo. Escuchar el sonido y el silencio o verlo, o sentirlo, o disfrutarlo, o sufrirlo, o simplemente ignorarlo... .. La música es organización de sonidos, silencios, y duraciones que construyen edificios audibles... .. Cualquier medio para producir sonido es lícito... .. .. https://dalverme.bandcamp.com/ http://moradasonica.blogspot.com.es/ http://laoficinacultural.org/ https://www.youtube.com/watch?v=ITSfNTnas0M&sns=fb ARTISTAS CONFIRMADOS PARA LA TEMPORADA 2015-16: MALAVENTURA ARTIST, ORQUESTA DE IMPROVISACIÓN DE MÁLAGA, JAZZNOIZE+TAIS BIELSA presentan "ÓXIDO", JORGE HARO....

domingo, 4 de octubre de 2015

PODCAST PROGRAMA MORADA SÓNICA CANDIL RADIO - 3 DE OCTUBRE DE 2015 - JULIÁN CARRILLO



Ya disponible podcast de la Morada Sónica de Radio Candil dedicado a JULIÁN CARRILLO, pionero de microtonalismo JULIAN CARRILLO, que desarrolló desde finales del siglo XIX un corpus original de música microtonal, que fructifica en toda una metodología (Sonido 13), aplicada a la música sinfónica, o a la construcción de nuevos instrumentos como el piano metamorfo, o el arpa microtonal.

domingo, 27 de septiembre de 2015

PODCAST PROGRAMA MORADA SÓNICA CANDIL RADIO - 26 DE SEPTIEMBRE DE 2015 - TROPICALIA




PODCAST PROGRAMA MORADA SÓNICA CANDIL RADIO - 19 DE SEPTIEMBRE DE 2015 - CONCIERTO DE KRAFTWERK EN PARADISO, AMSTERDAM, 1976



En 1998, en una de tantas paseadas por la calle Tallers de Barcelona, el amigo Jaime, dependiente de la tienda "Revolver", me hizo pasar al almacén para ofrecerme una serie de joyas recién editadas en formato CDR, todas ellas del grupo KRAFTWERK, todas ellas conciertos y de distintas épocas. Ni que decir tiene que me las quedé todas, desde los cdr's que contenían conciertos recientes (Barcelona Sónar, 98, Buenos Aires Obras 98...) hasta verdaderos incunables como el concierto de Roundhouse del 76, éste de Paradiso del mismo año, el de Leverkusen en el 74, conciertos de chicago y Denver en el 75, algunas cosas del 71... en fin, que me dejé una pasta en "Revolver" en ese día. También sobra decir que aquello fue casi el comienzo de mis compras compulsivas de material raro del grupo de Düsseldorf, ya que las apariciones de CDR's de KRAFTWERK no habían hecho más que empezar.

Pues bien, esta noche pasada, hablando en Facebook con el amigo Aitorreolid Duran Plaktom, me ha pedido este concierto llevado a cabo en el PARADISO de AMSTERDAM el 11 de septiembre de 1976, a poder ser en FLAC, pero como tengo el CD, he preferido ripearlo en WAV para uso y disfrute de mi amigo y de todo el resto de seguidores de este, vuestro blog.

Son diez temas recogidos en dos CD's, con una calidad de sonido más que aceptable habida cuenta la edad de la grabación y ojo a las versiones de los temas porque os sorprenderán muy gratamente.

No os digo más... disfrutad...



lunes, 14 de septiembre de 2015

PODCAST PROGRAMA MORADA SÓNICA CANDIL RADIO - 12 DE SEPTIEMBRE DE 2015 - ESPECIAL HORACIO VAGGIONE



El argentino Horacio Vaggione nació en 1943 en Río Cuarto, la provincia de Córdoba. Es un compositor de música concreta y electroacústica. Estudió composición en la Universidad Nacional de Córdoba y en la Universidad de Illinois, donde obtuvo por primera vez acceso a las computadoras.
Vaggione vive actualmente en Europa, habiendo visitado muchos estudios acústicos durante los '70. 

Entre 1969 y 1973 vivió en Madrid, España, formando parte de ALEA y co-fundando Projects Music and Computer en la Universidad de Madrid. Fue el 50% del imprescindible disco de música electrónica IT VIAJE, junto a EDUARDO POLONIO. En 1978 se mudó a Francia, donde actualmente reside, trabajando para GMEB, INA-CRIM y IRCAM en París. Desde 1994 es profesor de música en la Universidad de París.

En 1978 creó esta obra maestra del medio musical electrónico que no debe dejar de escuchar ningún aficionado, es más, creo que junto con IT VIAJE, deberían ser material docente obligatorio.



lunes, 7 de septiembre de 2015

PODCAST PROGRAMA MORADA SÓNICA CANDIL RADIO - 5 DE SEPTIEMBRE DE 2015 - MONOGRÁFICO BARTON & PRISCILLA MCLEAN


PRISCILLA MCLEAN es una compositora, intérprete, videoartista y crítica musical estadounidense. Nacida en Massachusetts en 1942, cursó sus estudios en la Universidad de Indiana, Bloomington, donde en 1969 empezó a interesarse por la obra de IANNIS XENAKIS, que enseñaba allí. Ha sido profesora en la Universidad de Indiana, Kokomo (1971-73), en el Colegio de Santa María, Notre Dame (1973-76), en la Universidad de Hawaii (1985) y en la Universidad de Malasia (1996). De 1976 a 1980 se creó la American Society of Composers' Radiofest series. En 1974 ella y su marido, Barton McLean, comenzó a trabajar juntos bajo el nombre de THE MCLEAN MIX y en 1983 para presentar conciertos de su propia música a tiempo completo. Ella canta con técnicas vocales extendidas y toca el piano, sintetizador, violín, percusión y flautas de madera amerindias, así como instrumentos de nueva creación. Como THE MCLEAN MIX, la pareja ha realizado conciertos y clases magistrales en Estados Unidos, Europa, el sudeste de Asia, el Reino Unido, Canadá, Australia y Nueva Zelanda. El libro "The New Grove Dictionary of Music" describe el trabajo de McLean como "van de lo abstracto a la música orquestal y de la música de cámara a las obras electroacústicas dramáticas". A partir de 1978 la mayor parte de su música se ha centrado en el concepto del desierto y ha incorporado sonidos de animales y de la naturaleza, junto con la música sintetizada ".


lunes, 27 de julio de 2015

PODCAST PROGRAMA MORADA SÓNICA CANDIL RADIO - 25 DE JULIO DE 2015 - MONOGRÁFICO LYDIA KAVINA



Lydia Kavina nació en Moscú y comenzó a estudiar theremin, el instrumento electrónico ruso más popular del mundo, cuando apenas tenía nueve años de edad bajo la dirección del mismísimo León Theremin, que lo inventó en 1919.

A los catorce años ya estaba dispuesta a dar su primer concierto con este instrumento singular que se ejecuta sin llegar a tocarlo y cuyo sonido nos sugiere música extraterrestre. Esto marcó el inicio de una carrera musical que la ha llevado a participar en más de un millar de conciertos y obras de teatro, radio y televisión en todo el mundo. Ha actuado como solista en lugares tan prestigiosos como el Gran Salón del Conservatorio de Moscú, el Barbican de Londres, y el Palacio de Bellevue en Berlín, entre otros; y ha sido invitada por los festivales internacionales de música más importantes.

Junto a la Orquesta Filarmónica de Londres, interpretó theremin en la banda sonora de Howard Shore para Ed Wood (Tim Burton,1994), así como para la de eXistenZ (David Cronenberg,1999) y The Machinist (Brad Anderson, 2004).

Además de dar conciertos, Kavina compone música para theremin y ha impartido clases en Europa, Rusia y los Estados Unidos. Es también una activa promotora de la música experimental para este instrumento, en colaboración con Barbara Buchholz y la Kamerensemble Neue Musik Berlin.